PROPUESTA DE DIRECCIÓN

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Banda Sonora Edición Vjing

MARCEL DUCHAMP Y EL READY MADE

MARCEL DUCHAMP

Marcel Duchamp fue un artista francés,proveniente de una familia de artistas.Su obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del movimiento del surrealismo, dadaísmo y el pop art en el siglo XX. Se podría hablar de distintas etapas en su vida artística. La primera se ubica entre 1908 hasta 1912, en donde experimenta con todas las tendencias artísticas que el panorama moderno le ofrecía (impresionismo, post-impresionismo, fauvismo, cubismo, futurismo), sin comprometerse con ninguna en especial.

Desde 1910, los hermanos Duchamp organizaron reuniones dominicales en su estudio de donde Duchamp coincide con artistas como Kupka, De La Fresnaye, Picabia y Archipenko. Influenciado por el cubismo, Duchamp pinta en 1912 "Nu descendant un escalier nº2 ", una obra rechazada por sus pares que creian que se estaba burlando del cubismo. Sus pinturas no se venden y Duchamp se aboca a estudiar tratados de perspectiva, geometría y matemáticas. El rechazo de su obra permite su presentación en España, en la Exposición de arte Cubista llevada a cabo en las Galerías Dalmau y al año siguiente sería recibida, causando excitación y controversia en la Exposición Internacional de Arte Moderno de 1913. 

Va en contra de la sedimentación simbólica en las obras artísticas como consecuencia del paso del tiempo, y realza el valor de lo coyuntural, lo fugaz y lo contemporáneo. Su énfasis en la intelectualidad de cada obra influyo también en muchos y diferente artistas.Es uno de los principales valedores de la creación artística como resultado de un puro ejercicio de la voluntad, sin necesidad estricta de formación, preparación o talento.Sus trabajos expandieron los límites del arte, al introducir objetos de la vida cotidiana y transformarlos en arte por la simple elección del artista, cambiando así el curso definitivo del arte moderno.

El término ready made se conoce como “lo ya visto”, "y que deriva en el "objeto encontrado" del surrealismo. Proviene de un acto practicado por primera vez por el en 1915, y consiste en titular "artísticamente" objetos producidos industrialmente, con una mínima o ninguna intervención, declarándolos de esta manera "obras de arte".

"arte es lo que se denomina arte" y por lo tanto, lo puede ser cualquier cosa."

En 1913 hace su primer ready made,”la rueda de la bicicleta” donde proponía que el artista con el solo hecho de elegir un objeto cotidiano lo estaría convirtiendo en arte, y un urinario, unos de los primeros de una serie de 23 entre 1915 y 1923, al que Duchamp tituló como Fontaine y firmó con seudónimo, provocando revuelos en la crítica, cuestionando las categorías estéticas que determinan qué es arte y qué no lo es. Como la presencia de la belleza en una obra, ya que ésta es subjetiva. Su legado más grande sería el habernos hecho entender que una experiencia artística no basta con estimularnos visualmente. Ésta debe también invitarnos a pensar.

Nouvelle vague

Nouvelle vague

La Nouvelle vague es un movimiento cinematográfico surgido en Francia en la década del 50, cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada "Cahiers du Cinéma" ,fundada en 1951 por André Bazin, deciden hacer cine, tras haber desempeñado la profesión de guionistas durante los años anteriores. Entre ellos se encuentran François Truffaut,Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Éric Rohmer o Claude Chabrol, Demy,Duras, Malle, Resnais, Robbe-Grillet, Varda y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville. Se propusieron renovar, e incluso regenerar cinematografías consideradas en decadencia. Más allá de la diversidad de los estilos, los nuevos cineastas, rechazaban las estructuras generales del cine de la época.Juzgaban el carácter automático y mecánico de la reproducción cinematográfica. En cambio, defendían la espontaneidad,el rodaje en exteriores, expresar en la pantalla su cultura cinematográfica, incluso su talento de autodidactas, recurriendo a veces a la improvisación y, siempre a actores nuevos. Adoptaron la necesidad de retratar la realidad organizando la percepción de las obras de un modo sumamente verosímil en cuanto al desarrollo de los acontecimientos de los personajes. Para Bazin, el realismo es ontológico en el cine y las películas que mejor lo interpretan y que más se aproximan a la esencia del cine son aquellas que reducen al mínimo las intervenciones manipuladoras y artificiales.

Además, en esa época se constituye una nueva ola de espectadores cinéfilos, formados en la asistencia a cineclubs, que se hallan dispuestos tomar toda novedad en el terreno cinematográfico. Entonces las películas surgidas durante 1959 se caracterizaban por su espontaneidad, con grandes dosis de improvisación, tanto en el guión como en la actuación; con iluminación natural, siendo rodadas fuera de los estudios y con muy poco dinero; pero rebosantes de entusiasmo, atravesadas por el momento histórico en todas las tramas. Las historias solían ser cantos a la plenitud de la vida, el deseo de libertad como valor central en todas sus dimensiones, y un nuevo modo de asumir la adultez desde la óptica de un espíritu joven (juvenilísimo).

PROPUESTA ESTÉTICA 

“Ascensor para el cadalso” de Louis Malle (1957)

Puesta en escena:

Time code: 1:24:15 a 1:27:39
La escena elegida es la escena del final de la película que tiene una duración aproximada de 3min 30s. En la cual se desarrolla los siguiente: Louis se dirige a la sala del servicio de revelado de fotos del motel donde estuvo la noche anterior con el objetivo de que esas fotos no caigan en las manos de la policía por ser las únicas pruebas que lo condenan por el crimen a los turistas alemanes. Al entrar es sorprendido y apresado por los policías que se encontraban revelando las fotos en ese instante. Segundos mas tarde aparece en escena Florence, quien había seguido a Louis hasta ese lugar y es descubierta también por el detective al revelarse el resto de fotos las cuales ponen en evidencia su relación amorosa con Julien. Comprobando que en verdad es Louis efectivamente el intérprete del asesinato de la pareja turista y no Julien como se lo acusaba, pero por otro lado se devela el crimen de Simón Carala efectuado por Julien en complicidad con Florence.

Es una escena tratada con sobriedad y fluidez, utilizando una puesta más teatral mas que en lo escenográfico y en donde el peso dramático recae en la actuación de los actores. La escena será realizada lo mas fielmente a la escena original, respetando los planos, el valor del dialogo, espacios y construcción de los personajes que la integran. Destacando esa muestra de amor pasional que existe entre Florence y Julien y que en esta escena aflora con mas dramatismo a través de sus ultimas líneas.


Propuesta de Fotografía:
El estilo de iluminación que se utilizara es pictórico, ya que la escena se desarrolla en una sala de revelado de fotos, generando una puesta de principal y relleno para los personajes principales que están en el foco de la escena, utilizándola también para generar ese contraste que se visualiza con los personajes que aparecen desde el fondo poco iluminado y que ingresan desde atrás para luego ser alumbrados con la principal de los demás, como por ej: en el caso de la acción del segundo policía que se lleva detenido a Louis.
También así respetando el elemento de la bombita que aparece a la izquierda del cuadro.
Utilizando la luz en función de la estética teatral que exige la escena, manteniendo el aspecto de sobriedad y fluidez.


Propuesta de arte: 

Se utilizaran los elementos necesarios para recrear el ambiente de una sala de revelado de los años sesenta para respetar la verosimilitud, como así también ser lo mas fiel al vestuario de cada uno de los personajes de época. Realizando un trabajo de pre-producción para recrear las fotos que aparecen en cuadro. Y realizando un revelado en rodaje para obtener el efecto de una de las fotos.


Propuesta de Sonido:

El sonido está compuesto por los diálogos, música instrumental y sonido ambiente. Los diálogos serán grabados en el momento del rodaje. Y si es necesario buscar en biblioteca, sonido ambiente. En cuanto a la música instrumental se buscará la pieza original de la película.

La música es de Miles Davis, que improvisó el solo de trompeta. Lo acompaña un conjunto de saxo, piano, contrabajo y batería. Jazz y blues combinan muy bien con el clima de suspenso.



Análisis de la puesta en escena

ESPACIO ARQUITECTÓNICO: el espacio arquitectónico de esta escena sera la el estudio de la facultad.

ESPACIO PICTÓRICO: el espacio pictórico de esta escena es la sala de revelado, es decir el cuarto oscuro del motel donde los personajes de Louis y Veronica pasaron la noche." SERVICE PHOTO DU MOTEL" que utilizan los policías para revelar el crimen de los turistas alemanes.

ESPACIO FÍLMICO: el espacio fílmico es el laboratorio,donde a través de el, el director puede metaforizar el sentido de toda la película, no solo se "develan" los crímenes realizados a los turistas alemanes y a Simón Carala a través del recurso del revelado de las fotos, sino también se devela el gran amor que Florence siente por Julien.

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA HENRI DUCHAMP:

En la fotografía cinematográfica moderna fue muy importante el trabajo que desarrollo  junto con Raoul Coutard es considerado uno de los fotógrafos de la "Nouvelle vague" , dando a sus películas una iluminación realista (con permanente justificación de las fuentes de luz), y huyendo siempre de la sobreabundancia en la iluminación de interiores (sobre todo en la foto en color) tan característica en el Hollywood de los años cuarenta y cincuenta. Algunos de sus trabajos son "Ascensor para el cadalso" (Louis Malle, (1957), "Los cuatrocientos golpes" (François Truffaut, 1959), "El silencio de un hombre" (Jean Pierre Melville, 1967), y ya en los Estados Unidos "Los niños del Brasil" (Franklin J. Schaffner, 1978).

Se destaca por la luz natural, su capacidad para trabajar en velocidad, así como su excelente sensibilidad fotográfica le llevó a trabajar con René Climent,donde liberó a la cámara, desde su trípode fijo, Henri Decae era un reportero gráfico en el ejercito francés  comenzó su carrera dirigiendo y disparar cortometrajes durante la Segunda Guerra Mundial y como jefe camarógrafo de Jean-Pierre Melville, trabajando en la película Le Silence Del la Mer. Él es mejor conocido por su cinematografía color, como se evidencia en Plein Soleil y por su innovadora fotografía negro y blanco en los domingos, ganador de un Oscar y Cibeles. Ha trabajado con importantes directores de cine francés Francois Trauffaut, Claude Chabrol y Louis Malle, y comenzó a trabajar en películas internacionales a finales de los años 60.

En ascensor para el cadalso sus imágenes desbordan elegancia, realismo y belleza visual. La iluminación es magistral y la cámara acaricia las imágenes con pudor y suavidad. El estilo del film, ascético y moderno, con abundante uso de cámara en mano y locaciones reales, hizo que Malle fuera sumado automáticamente a la Nouvelle Vague.

En “Le Cercle Rouge”, penúltima obra de Melville. Consigue trasladar al film una atmósfera que resulta muy efectiva y logra un trabajo con bastante personalidad. Director con inspiración naturalista, pero sin embargo, por lo general, no hace uso de la luz disponible, sino que introduciendo iluminación artificial u otras técnicas, moldea las imágenes para conseguir un estilo y que al mismo tiempo éste mantenga una apariencia natural. De esta forma, gran parte de los exteriores están impregnados de tonos azulados . Estos exteriores, que predominan en la primera parte de la película, resultan por tanto desapacibles y fríos, lo cual no es sólo real, sino que además consigue transmitir al espectador esas mismas sensaciones. Aunque en muchos de estos exteriores Decae sí emplea exclusivamente la luz disponible, no son pocos los momentos en los que necesita rellenar sombras o iluminar artificialmente, sin que ello afecte a las cualidades de la imagen, porque de no ser por la introducción de sombras imposibles, en muchos casos sería imperceptible.



La fotografía de interiores y la fotografía de exteriores nocturnos es similar, puesto que Decae utiliza una mezcla de fuentes integradas en los decorados y de luces duras y puntuales dirigidas hacia los actores o diversas partes del decorado, cuando las primeras son insuficientes para hacer el trabajo real. Se sacrifica de esta forma, por consiguiente, parte de la naturalidad, pero a cambio lo que se obtiene es una atmósfera mucho más opresiva, más oscura y a veces más contrastada, como la del aspecto decididamente noir del despacho del policía.

Pedido de fotografía:
En esta escena hay una gran carga dramática, donde se resuelven la trama central junto con las secundarias, me gustaría que pueda representarse con la luz, este decorado de estar dentro de un laboratorio,que pueda verse realista, pero haciendo una imagen fina y elegante, que se distingan los rostros de los personajes y que me genere una atmósfera como de encierro representando que Florence esta en esa sala como en el banquillo de los acusados, entrando a su carcel, pero manteniendo su belleza.

Pasos de la correción de color

La corrección de color siempre es el último paso de todo trabajo. 

En primera instancia se trabaja el contraste de todos los clips y cuando esté todo el material con el contraste adecuado se trabaja el color y se hacen los balanceados ,debido a que el contraste si afecta al color pero el color no afecta al contraste. Ajustando el nivel de negro, ayudándonos con la referencia visual de los “scopes” y de un buen monitor perfectamente calibrado y ajustado con la señal “monitoreada” correctamente. Después se pasa a los blancos o luces adecuándolos al punto mas blanco de la imagen. Hay que tener en cuenta que en los negros y blancos al final el que tiene la última palabra de dónde se corta es el operador y por eso hay que desactivar broadcast safe y filtros o efectos que nos cortan la señal ya que somos nosotros lo que queremos decidir donde situar el punto negro y blanco del clip y donde cortar antes que lo haga el software porque no siempre tienen en cuenta las variables.Aplicar el filtro broacast safe, el plugin, el efecto se hace una vez que se termina el trabajo para que cualquier negro, blanco, super blanco o saturación indebida no nos cause problemas y nos corte toda la información fuera del rango legal . Hay que tener cuidado con el contraste ya que también afecta a la nitidez. Después entonces se realizan los balanceados para eliminar los posibles dominantes de color no deseados, en color no se suma o resta color sino que se trabaja añadiendo complementarios: primarios, secundarios, color aditivo, substractivo, CMKY, Lab, RGB. Por eso a la hora de trabajar el color si queremos neutralizar un tono siempre debemos añadir el complementario. Azul-Amarillo, Rojo-Cyan, Verde-Magenta. En el circulo de color hay colores primarios, secundarios, tríadas de color, análogos secundarios, terciarios,etc.La herramienta clásica para ayudarnos a corregir las dominantes de color es el RGB Parade. Por último se trabaja la continuidad, un ejemplo de herramienta es el Primary Out de Apple Color.

La corrección de color es o deber ser siempre muy sutil, siempre teniendo en cuenta el material con el que se trabaja. ya que hablamos de cambios mínimos por norma general y hay que dejar la imagen como debería estar en cámara correctamente expuesta y con el balance de blancos correcto (en cámara hacemos el balance de blancos y en corrección de color balanceamos los clips que no tienen un balance de blancos correcto hecho en cámara). Se trabaja con el uso de las curvas, bolas de color, curvas de tono, barras de contraste, printer points, saturación,ya que todas estas herramientas que están a nuestra disposición nos van ayudar a realizar las correcciones primarias.

Una vez superada la fase de corrección primaria, en la cual corregimos todos los posibles errores de contraste y tono de forma general en toda la imagen, se pasa a las correcciones secundarias en las cuales vamos a seguir corrigiendo errores que no son posibles de eliminar con las herramientas primarias y van a lo específico ya que no ha sido posible de corregir con una primaria. Por norma general se centra en herramientas como el cuentagotas, las viñetas o máscaras, efectos FX o plugins, blur, curvas de tono, saturación y luminancia, modos de fusión de capas y/o de distintos tipos de nodos,que nos ayudan a delimitar un tono, luminancia, saturación o zona específica de la imagen a corregir sin afectar al resto de la imagen que ya está correcta.


Las secundarias por norma general se usan en su mayoría para crear grades o looks más “agresivos” una vez corregidos todos los errores.


En la corrección de color se trabaja siempre en playback, no de forma estática igualando dos frames o trabajando sobre un cuadro fijo. Hay que ver como va evolucionando el material y las correcciones. De ahí que el equipo habitual de trabajo requiera SSD, Raid, Ram, gráficas potente para trabajar con soltura.

MONTAJE LINEAL Y NO LINEAL

Montaje lineal

Es el que implica seguir un orden consecutivo; montar el plano que queremos en primer lugar, luego el que queremos en segundo lugar, y así sucesivamente.

La edición lineal es la que se ha utilizado tanto el en cine como en el vídeo analógico.
Esta forma de edición no permite cortar un fotograma de forma libre sin ningún orden, se sigue de forma secuencial la filmación. Por ejemplo si queremos retocar o eliminar un fotograma que se encuentra en el intervalo 200, debemos pasar del 1 al 199 y cortarlo y luego volver a juntarlo.

Grabado de una cinta de un tape a otro tape. (magnetoscopio). Usamos play y rec. Se necesita un reproductor y grabador, luego este sistema evoluciona un poco mas y aparece el controlador, que se encarga de encontrar la entrada y la salida. (analógico o digital).El previo monitorea como va a quedar el corte. 2 player y un rec se llama AB rol, nos permite trabajar con transiciones de fundido encadenado.

Montaje no lineal

Es aquél que nos proporciona libertad para trabajar en cualquier orden que deseemos, y nos permite alterar o re-estructurar el trabajo realizado sin afectar al resto del material, como si dispusiéramos de un rompecabezas cuyas piezas son los planos rodados.

La forma no lineal es la utilizada por la tecnología digital. Esta forma de edición permite ordenar los frames en el orden que deseemos. Podemos tratar cualquier fotograma o cuadro de imagen de forma directa sin necesidad de seguir toda la secuencia, independiente de la forma y orden de cómo hemos grabado el vídeo.

Si deseemos eliminar el fotograma 200 no precisamos pasar antes del 1 al 199, sino que directamente accedemos al 200 y lo cortamos o eliminamos no y necesitamos enlazar con el próximo fotograma, como el sistema lineal.

Es la metodología más conveniente cuando toda la información se encuentra en forma de archivos almacenados en discos rígidos en vez de en carretes de película o vídeos, mientras que la edición lineal corresponde con la metodología mediante la cual es preciso recorrer en forma secuencial una película o leer una cinta para poder editarla. Por otra parte, el método NLE es similar al concepto de la técnica de "cortar y pegar" que se utiliza en la edición de películas. Sin embargo, con sistemas de edición no lineales apropiados, se elimina el acto destructivo de cortar los negativos de la película. Los métodos no lineales, de edición no destructiva comenzaron a aparecer con la introducción de la tecnología de vídeo digital. Se lo puede considerar como el equivalente en el ámbito del audio/vídeo del procesamiento de textos.

Lineal y no lineal tiene que ver con un soporte tecnológico. Lo que define la linealidad es el método de edición.